陳文石 向主流挺進

◎楊平猷

陳文石畫室裡的見聞

您見過這樣一面勳章嗎？這是我在陳文石工作室裏所看到的< 海華榮譽金質獎章> ，由台灣中華民國僑務委員會，為表揚海外台僑有特殊貢獻者所頒發的最高金質榮譽。再看一看手上這一本二零零八年，他任職台灣會館董事長及文化節召集人時，所留下的簡潔而清楚的圖文紀錄< 二零零八年，洛杉磯台灣文化節活動紀念册> ，同時憶想當年，我也曾帶領著洋女婿共襄盛舉，所看到的那種令同胞震撼的壯觀場面。依洛杉磯消防局的統計，兩天下來達十萬多人次，可謂盛況空前，是台灣同胞在洛城活動場面最大的一次。也聆聽當時他如何企劃，如何籌募經費，如何聯繫與協調社團與文化團體，如何尋找人潮場地，如何放下藍綠牆內對壘思維；共推台灣主體文化宣揚，如何邀請台灣國內重要技藝組織，如何吸引主流媒體的興趣，如何三更半夜聯結南加州中英文主流媒體洛杉磯時報採訪的文宣工作等林林總總，這也是我過去從大哥處對陳文石先生的生命狀態所能印象的部分。他呼籲好友一齊活躍於台僑社團與國際間，為政治、民權、及文化，出點子、出錢，賣力奔跑為台灣流汗三數十年，這樣的金質殊榮，並不讓我訝異，而他那種不能滿足於既有的成就現況的生命特質而創造出來的傳奇事蹟，才是讓我讚嘆與興趣要點，很多故事當可另闢多層主題來描述。　

而陳兄繪畫生活的部份，在參觀了畫室，見了客廳與廊道所展掛的與諸多畫冊上所留印的畫作　再加上他的故事述說，才免除了對他這方面的一無所知，也是我這次專訪的目的。

畫家陳文石，一九四三年生於宜蘭鄉下。　

童幼無知時即好塗鴉，四合院的白灰牆壁與曬榖場，處處都是他的繪畫天地，越畫越有模樣，成為村坊讚譽的小畫家，也得父母的認可與鼓勵。因此從小就有自信立志當畫家。稍長父親即不在，家境困頓但他傻勁不減，志向不偏，小學時的美術比賽總是第一。

初中畢業，母親賣了首飾完成他的心願，讓他入學高中復興美術工藝學校，他當時感恩得痛哭流涕。讀了一學期就為負擔家計而放棄，投入一家美術工藝社任職，頗得當時先輩的愛護與指導， 學得一手日本膠彩寫生畫法。十六歲那年，一副［含露珠的玫瑰花］，畫出陽光照在花上晨露的美感，入選台陽美展，更加足他的信心。此後也陸續參展全省（國） 美展。這段期間拜淡水陳敬輝老師為師，並到李石樵畫室習畫 ， 過去省展或台陽展是台灣學子成為主體藝術家成績被肯定的標竿，青少年紀即有這等實力，是我所望塵莫及。

實力有了，然差了個學歷。二十二歲那年，他再入學［復興美術工藝學校］成了高齡學生。為了兼差工讀，非常辛苦，遲到早退曠課之間，學校也給他特別的通融。課餘畫了很多臨摹籣竹梅菊四君子，在衡陽路擺畫攤。四君子筆劃少，他練得一手落筆精準韻味十足的技法，　畫起來又快又有意境，很得日本觀光客的青睞，銷售良好，收入豐厚。　　

陳文石是個聰慧善巧勇敢，卻也是個生性活躍多變，不能滿足於現況的人。當然我門可以理解這是許多藝術家多彩的特質。有了機緣，改做室內裝潢，他看準了規格化家俱設計，台北許多高級辦公大樓（如華航），都是他的手筆之作。　

有了經濟基礎，多了世面人脈，他不能忘懷年幼時期的立志 藝術家，三十歲考入師大藝術系，還是半工半讀，三十五歲任教於文化大學。當時旅日的台僑商人邱永漢［棄獨返台］，　邱先生在日本的成就非凡，是陳文石學習的對象，就自薦從邱學習，再經邱先生的指導與提攜合作，事業更加規模。　

師大期間，他從李石樵與廖繼春學了不少繪畫本事，打下傳統西畫的基礎與技法。這時台灣的民主意識開始萌芽，他的自由創作意識也淳淳欲動，那種從日本輾轉移植來台的印象派以來的中古巴黎繪畫思想與風潮，對他又成為一種僵硬的現況，不能得到滿足，為了追求更前衛的藝術主流思想，他放棄了一切事業成就，移民來美。　　　　　　　　

這時段所有移民來美的台灣精英，都得從基層開始，他也從油漆工起家，並入學Pasadena Art Center 開始現代最先進的藝術視窗，與跨入主流藝壇的基礎訓練。之後，又在UCLA，　Pomona University與South Pacific university等校學習，而飯食的工作也轉為建築商。

從這段校園浸泡中，他學到了快速發現美感，快速掌握美感的技法。同時體察美國的藝術生態，深覺藝術表現和他的社會動脈相關，並與文化精神相表裡，更體認了民主自由才是培育藝術家精良創作的溫床，只有活潑自由的思考與外緣接觸，才能激勵自己，反觀自己的血液本質，建立自身的文化命脈，創造自己的嶄新藝術。而過去在台灣時期，自己的養成教育，卻在社會政治獨裁，愚民教化中進行，台灣島民藝術家，侷限在既有的限定範圍模式內。時值海外精英呼應故鄉民主聲浪，集成的反對運動也發展得如火如荼，　成為台僑的主流思想，一向熱血奔騰的他，把這看成是改變台灣藝術生態面臨的一個不可多得的契機，不惜一切的也投入這一行列，花錢出力奔波於政經文化改革的呼喊中，希望故鄉的藝術文化早日轉型，而自己的藝術思想也跟著理想與趨勢轉變。

自由思想開啟之後，台胞對血緣文化根源的思維也在釐清中，有唐山公無唐山嬤的耳語在親朋間開始流傳。這時的陳文石也體認了台灣藝術的重新開展，要從認識根源開始，建立本土文化，建立本土藝術。他發現先祖唐山公來台，是移植了唐山資源與和文化，而在與先住民的通婚歷史中，及過去荷蘭葡萄牙、西班牙與英國的留滯期間，在血緣及文藝建築上也早有融合，加上日本人的統治方便，台灣本土其實已有相當的島國特殊文化風貌，從廟會、年畫、慶典民俗用品、布花、包裝紙，原來被說成俗裏俗氣的，其實所表現出來的是，豐富、憨厚、多情、明朗綺麗的美感。在過去歐洲大師的畫面上，曾有相似的手法成為風格，因此，他把童年記憶中的故事，重新肯定，成為他此時畫作的滋養，故鄉民俗軌跡，提供他充分的創作源泉。這是他所謂的［根傳統文化期］，相信這種血緣文化歸屬感提供的溫馨，帶給他生命相當的滿足，而且都表現在繪畫中。

一九九零年，為了吸取更多故鄉的滋潤，實質沐浴其中，他又毅然結束美國的業務，鮭魚返鄉。回台後，除了繼續對故鄉政治藝術文化提供更多的關懷與貢獻，也投資金融，並在新竹科學園區設立公司，想培育人才，為理想盡心力。　

未料，此時的故鄉，外匯存底攀高，民權抬頭，台灣政治經濟社會逐步轉型，民主與進步畸形的認知與定義，社會倫理黨政倫理也轉型，人人想做主，人人想出頭，演變成林立的山頭。各級政爭不斷，新的社會秩序尚未建立，亂象叢生，到處叫囂，商場揮霍。一切看似雜亂又像有序，加上新的都市興起建設，氣象萬千，顯現新生的爆發力與堅強，而卻處處不得調和，再也找不到他童年印象中淳樸的風韻。原本濃密溫馨的歸屬感一時落空，這時他以跳動式的手法作畫，畫些風景及事物，或諷刺話題企圖表達內心的感受。但失落與不適應造成的內心爭紮，令他無法作畫，身不得已，又一次提起行囊，雲遊而去。　
     
說是雲遊而去，但是和台灣這樣的母子臍帶關係，割之不斷，愛台之情抹之不去，失望之餘又有一美感的發現。　

原來台灣四面環海，先民冒險來台後，不論通商鹽漁，和海構成不解的因緣。但一九四九年以來的海禁，使人們對四週最親近的海洋非常陌生，直到民主的崛起及科技生活的趨勢，國民對台灣地緣週邊，有了進一步的試探，環境學抬頭，海洋學識才有了深一層了解。　

台灣位處亞熱帶，是菲律賓板塊與雲貴板塊擠壓上升，所造成的零碎地形島嶼。高山深海　多變的畸形地貌及生態景觀，加上親潮、黑潮海水冷熱交錯，造成珊瑚環繞，魚群滋生，是世界三大魚種最多地區。這瑰麗美妙神秘的水世界，是台灣人引以為傲的資源，是陳文石再度升起憧憬感動，對故鄉引發希望的地方，於是在台美之間遊走的他，畫魚，畫出瑰麗，畫出希望　畫出［美魚系列］。
     
洛杉磯十號公路往東，入亞歷桑那州第二個城市Quartz［石英市］，每年二月有一個世界規模最大的寶石礦展，展出各種原礦寶石及其半加工品。那年陳文石參觀時，發現這些原石深藏於地下，開採後的粗糙頑石，經切割研磨後，變成夢幻瑰麗燦爛的寶石，讓他省悟到一個人必須經過磨練才能成器的自古流傳的人生哲理。這樣的啟示，引導他進入一個不曾體會過的嶄新視野和冥想世界，讓他從中得到平靜，得以深思，並灑脫自在的創作。又由於原石研磨後顯現的炫麗色澤與奇異的圖結構，啟發他進入一層過去未曾開發的心靈層次，無意識的抽象世界，讓他採取以點、線、面的基本造型元素與鮮麗的色彩組合，來表現與轉化純粹的空間意境。這樣的表現方式，表達了生命最初的原始生命型態，更把欣賞者更引入神秘而自由的想像空間，這段二零零零年初期的這類畫作，為陳文石的［太初之探討系列］。

一直以來，國際股市不良炒作，二零零八年金融泡沫爆破，一夕間，全世界財富蒸發資產萎縮，美國為了平衡美中貿易逆差，為了對抗人民幣不良匯率及國家財務赤字，大量印製美鈔與中國的如法泡製抗衡。因果循環，美鈔氾濫，幣值下貶，人民財產稀釋，產業營運失靈，失業率上升，民心浮動，這些成為陳文石內心關注的對象。藝術離不開社會，藝術離不開生活，他的畫作思想與主題，又一次轉向，投注在世界人民腰帶的重心。這時技法一變，改用綜合媒材，變成有如實體浮雕式的立體繪畫，，為此時［金融危機系列］的代表，在台灣人［鄉情畫展］中展出，這樣的世間關懷方式，令人感懷於心。

綜觀陳文石一生，圍繞著稚童時期立下的志願前進，而且以他的聰明善巧一直圍繞著主流社會的板塊挺進，以社會的利益前進。但他常常引以為憾的是，在藝術的創作中，他沒能創造出一種沒有人表現過更特殊的繪畫方式。不是嗎？我們都近七十了，我們都沒有做到，沒在美術史上創造出刮目的看點，因為那只是少數人的運好得到上帝的眷顧。但我們都在藝術的領域做過努力，付出了良心，也在畫面上表達的美感中，令自己及親朋好友得到喜悅的回報。雖然在世間的流程中微不足道，但這就是藝術的價值，藝術的貢獻。

依佛教的觀點，良善的心就是美心，美心不只是能整理出美好的畫面秩序，人們為社會付出不求回報所做出種種的努力，而且在這種努力中所遭遇到的挫折不起怨言，只是努力設法解決直到完成，是需要智慧，這樣的動作就是藝術，最後的結果就是藝術品。檢視陳文石的文化活動，除了自己的多次畫展成功之外，比如捐贈油畫給宜蘭文化中心，策劃北美畫家聯展，推動北美文藝協會，推薦李石樵得人文獎，出資成立李石樵美術館，推動全僑和平民主聯盟活動，還有大洛杉磯台灣文化節大型活動。三數十年間忙進忙出，就是服務，服務就是社會的主流板塊，這些結局的完美，就是世間完美的藝術。陳文石雖未蓋棺，而［海華金質獎］就是論定，是台灣人藝術家或社會運動家之中最高的榮耀，卻不是多數藝術家所能做到，我由衷的鼓掌，　

他說人生七十才開始，我們祈禱上蒼，再給他十年，他願意繼續為社會，為藝術努力，相信上帝會默準，給他機會，阿們！

白鴒鷥：麻醉醫師的日記 欣賞陳惠亭醫師　開刀房裡的素描／楊平猷(2013-02-14)

麻醉醫師的日記  欣賞陳惠亭醫師　開刀房裡的素描 楊平猷

一九八零年代，南加州代表台灣人社團的(亞洲商報)發行正夯。當時的副刊中，有一篇幾乎成為專欄的(麻醉醫師日記)，經常吸引著我。該文詳細的描述著外科手術房裡的點點滴滴，文中除了病患醫師護士醫具間的互動之外，還夾雜著人文心態思想的微妙轉折，許多門外所看不到的故事都有詳盡描述。後來商報停刊了，關於麻醉醫師的種種也就被遺忘了。

好幾個禮拜前某日，(太平洋時報)二十五週年慶，加上(台美文藝)發表會中，林文政社長問我旁邊的陳先生說：(你那些畫作處理的怎麼樣了)？他們討論的是一套外科手術病房裡的畫作。好像林先生建議將它數位整理。這位陳先生秀出手上的包包回答(沒進展)。我好奇的借來欣賞，並加入他們的談論中。原來這位就是日記裡的麻醉醫師陳惠亭，而畫作就是當年日記的延續，外科醫師開刀病房裡的素描。啊！真巧，有二十多年了吧，卻在這時遇上。

麻醉師在手術病房裡，是不可缺少且非常重要的一位。手術之先，就是麻醉處理，麻醉後，麻醉醫師就暫且沒事。但，手術期間為防不可意料的變故，直到手術結束，麻醉師是不可以離開，書寫或繪畫是陳醫師渡過冗長的等待時光的自娛工作，這一本素描手札就是當時的結成果。

翻看手上這一疊裝夾完整的素描，直覺只是一本藝術門外的醫師，用繪畫的手法記錄了一頁頁手術病房的故事而已，有點像中學時代生物老師讓我們畫細胞、畫橘子、草履蟲那種畫，不是什麼藝術。但其中也有幾張生動完整的作品，讓我聯想到我的老師──(礦坑畫家)洪瑞麟。

這些畫作，也可以只是醫療紀錄；也可以是藝術創作．端看我們怎樣把它擺放在檯面，怎樣給他定位與論斷。唯一的關鍵只在某一個眼光與評鑑．這樣的工作，也許只有我有資格來承擔。

為了避免節外生枝，只好暫保沉默，若即若離的保持聯繫。並E-Mail轉傳(太平洋時報)中的專訪文章，分享藝術同時暗示我的思想與文筆能力。

兩個多月後又一個偶然，還是在台灣會館，再次碰面，他的畫作還是(沒進展)。

我向他表明，我願意替他Scan；剪裁整理；數位化；放進電腦；作成ＣＤ，同時作一個藝術觀點的

比較與討論，放在太平洋時報裡，大家分享。這事，當然一拍即合。

經過協調，處理整理，終於完成了一套可在網際間相互分享的(麻醉醫師日記)了。

綜觀這些畫，出發點不是藝術創作，只是為了打發時間。作為一個麻醉醫師，一個醫療人員對醫療空間生態的冷眼旁觀，所做出的紀錄。但，假使我們說他不是藝術，也不盡公平。他所畫出的畫面的完整，筆觸線條的肯定與流利，可以看出他原本也具人本的立場；對繪畫的興趣；與技法的自我訓練經驗。這樣無心插柳柳成蔭的成果，還是有值得我們讚美欣賞的價值。

但，身為藝術評論的觀點，還是有必要指出這些作品和藝術家的畫作的異同。

首先回來看一下我的老師：(礦工畫家)洪瑞麟的礦工畫(圖一)(圖二)，再看陳醫師的病房畫。(圖三)(圖四)

同樣描述著生命的現象，同樣畫面滿滿，同樣作著短暫記憶的捕捉．但兩者作畫的心態出發不同，場景取捨與畫面經營用心的重點就有不同。長期手法的運作訓練也會迥異，敏感的觀賞者會有感受的不同。

礦工畫家在畫面上掌握的是簡斂而充實的畫面整體氛圍，圗面安排的美感要素，表達礦工短暫的休息取閒場景。雖然有著淡彩，那只是增加華麗的助緣。重要的是人物配置組成畫面的重點，令感覺圓滿。加上筆法流暢的自我舒展，展現著人文內心層面的需求。

麻醉醫師掌握的方向則偏向科學與知識的客觀描述。他描繪對象已有相當的準確功力。這種準頭與他充實畫面的用心，也構成某種程度的美學要素，也有相當的可看性。倘若當時他有掌握畫面美感經驗，而賦與藝術元素的補充取捨，則更上一層樓，成為更有價值的紀錄藝術品。

假使有機會，假使他願意，假使我們的讀者也一樣，在下一次行為中，賦與些些的美感意念與經驗，生活藝術化，將帶給我們更多的欣賞層次。

下面讓我們來欣賞陳醫師的(麻醉醫師日記)。基於版面限制，只能這麼多。我挑其中最有藝術分析意義的來欣賞。希望有朝一日，陳醫師辦個展覽，分享大眾。我們以畫作的日期來分辨說明。

08/25/82(圖五)醫師與護士二人的眼神集中在手術的焦點，加上醫具手勢安置的方向暗示，讓畫面有緊密完好的重心，是畫作欣賞的亮點。右下角的明度如能適度的降低，或切除右邊畫面約六分之一，整個畫面會讓欣賞者覺得更有平衡穩重的美感。這畫面平衡的問題在陳醫師的許多畫作中都曾發生相同的現象。

12/16/82(圖六)醫具的描述太多且太過用心，造成佈局分散複雜，醫師手術的重要主題不能顯現，賓主凌亂是大忌諱。

12/15/82(圖七)佈局，主題，畫面邏輯都很簡潔清楚，技法也很熟練。筆調輕重變化，適度流暢韻味十足，是件直得欣賞的好畫。

03/04/82(圖八)顯現與上圖的對比不協調，不是故意要損他，祇是比較而已。

3/25/74(圖九)張接近是一張好畫，假使中間的垂直黑線向左移動到四分之一處，假使畫面下四分之一的一片放暗些，視感就可以集中在醫療工作的範圍裡，畫面自然會產生安穩協調美感，成為表現細膩的好畫。

5/19/82(圖十)(工業的手術房)，不論內涵；結構；筆法都很自然純熟生動，沒有什麼敗筆。左端如能加多細節筆劃，平衡兩邊份量的話，就是非常完美的好畫。讚！

以下數張，就請讀者試著以自己的看法來欣賞吧，也期待我們的麻醉醫師更上一層樓。(Tomi20121102)

白鴒絲：不用調色板的畫家(2013-06-20)

不用調色板的畫家 林顯模畫室專訪
楊平猷 Tomi 20130403

圖一

圖二

2011年初，為了籌辦台灣傳統週「鄉情藝展」，第一次造訪碩果僅存的旅美台灣先輩老畫家──林顯模畫室。當時，只為了展出資料的方便，除了邀取他的畫作之多外，百忙中並沒有和林顯模老師多談。

回想過去學生時代，從台陽展與省展中，所有先輩畫家都有某些程度的印象。而對林顯模老師的畫則不太深刻。 直到2008年在Montery park長青畫廊，他的個展中第一次看了當時的現場全貌，驚訝中對林老師才有真正的認識。尤其如(圖一)所見，不論龐大的畫面、主題內涵、畫面組織、色彩的配置，都令人讚嘆不已。

圖三 圖四 圖五 圖六 圖七 圖八 圖九 圖十 圖十一

這張畫的主題是觀音山。他畫盡了全台灣人對觀音山的情感與想像。

以象徵的手法，對遠方的觀音山景、繁華的台北市區、依稀的淡水河面、加上河面上空自由翱翔鷺鷥所幻化的台灣人心中的遐想，演化著封神榜的民間故事，鮮豔炫麗動人。圖中下方的半身人像，就是本文的主人翁，謝理法筆下的武將型畫家──林顯模老師的肖像。

今次的造訪，是帶著朝聖的心有備而來，而林老師也欣然暢談。

抵達時，他正從畫室對街的住家過來。進了門，繞過神壇，他停下來，雙手合十一拜，煞有介事的神情，令人好奇，也感受到一種平實鄉情的生活模式。

林顯模，1922年生於台北板橋。年少即顯現繪畫的偏好。小學二年級時，母親就聘請繪畫老師來特別指導，他的天份也得到學校當局師生的公認肯定。當年滿州事件(九一八事件)，學校即選用他的兒童畫作為前線慰勞日軍禮物。(時空不同，主事不同，角色不同，請不必怪異。)

其後第一次機會，他參觀台灣總督府府展(即後來的台展) ，對成人名家藝術的驚奇，即發誓立志成為畫家，小孩有這種思惟是少見的。

二十歲，前往日本，就讀私立的川端藝專，準備入學東京藝術大學。得(二科會)會員山下新太郎的指導。山下太郎強調要畫出(可以竹竿穿透畫面樹林)的空間感。這個論調在楊三郎的故事中也有流傳。可見當時日本藝壇對空氣的透視相當的重視。記得2011年「鄉情藝展」開幕式中，林顯模評賞林之助的畫作時也提起空間意識(空氣的透視)讚美過。而早期我在李石樵座下修學素描時，空間觀念也被強調並教導訓練。量感、質感、空間感等傳統藝術美感是學院藝術訓練不可或缺的三要素。林顯模當年就這樣努力著。

太平洋戰爭爆發後，東京藝大入學不成，二十四歲回台。

戰前台灣的府展，日台畫家有不平等對待的傾向。楊三郎、李石樵等先輩畫家即創立「台陽展」，開展了台灣青少年畫家的另一平台。然因戰亂美機空襲而中止三年。國民黨政府的陳儀轉進來台後，申請復展。

當年蔣政權初期，台灣的政治民權受到打壓，但文化藝術因有心人士如楊肇嘉吳三連等政壇文化人士的推動而不至沉淪。藍蔭鼎、李石樵、楊三郎等人成立美術講習會的推動，對後進的培育頗多，林顯模得到特別的賞識與提攜。從林顯模的畫面上顯出的跡象，李石樵對他的影響份量應該很深。

隨後幾年，他在「省展」與「台陽展」中，屢得大獎。1966年成為省展台陽展的評審委員。其繪畫成就可見一般。

當年藝術家需依賴副業而活，林老師曾任新生報旅行社文化组、及東方出版社畫插畫、東方少年編輯委員，這些工刊物在我童年時印象深刻。

也因為展覽屢屢得獎，屢屢上報，他成為當年的藝文達人，並為王永慶所注意。

王永慶是少數擅用美藝人才的企業家，遂延攬林顯模為台塑開發部主任，以「林大師」來尊稱。從事台塑企業下，產品、技術與市場的開發。養成台塑旗下下游廠商，對台灣的窗簾、皮包與鞋類……等台灣民生工業的發展有很大的貢獻。林大師也為日本業界競爭者所畏懼。

雖然副業龐大，主業萎縮，林顯模沒有懈怠，每年還是有幾張創作在省展台陽展中秀出。一直到退休來美後才成為百分百的全職藝術家。

因為他的日語講得比日本人還要日本人，加上業務的需要與方便，經常往返於台日之間，對日本藝壇頗多注意，素描基礎，畫面結構及色彩學相當重視，要求嚴謹。

他發現印象派興起後，光與色彩的觀念改變。色料科學多樣開發，色立體建立。尤其日本太陽堂在色立體上對色的分類，不論色的色相、明度、彩度都得到定位，得到固定的名稱與編號，顏色達到它的文化水平，並有實質的顏料準確生產。畫家可以不必調色，想要用什麼色就直接有什麼色。他加入日本「流行色協會」，他放棄調色板，畫筆直接沾上鉛管擠出的顏料，直接往畫布上塗抹。他說：「顏料有礦物性、有動物性、也有植物性。早期顏料科學不發達，三原色加黑白的觀念普遍運用，頂多加上幾個特殊中間色成十二色來發揮。而調色後，彩度變低，剛畫上還算漂亮，時間一久動植物或礦物產生的化學變化加劇，美術館的名畫都變得灰濁黯淡。近年來的名畫修改，才得再顯亮麗。如今色料科學的發達，畫家善加利用，不必經過調色的程序，顏料歷經五十年一百年仍然可以保持鮮明亮麗。」

真的，畫室裡，看不到調色板。他一面說明，左手擠著鉛管，右手提著畫筆，沾上色料，就這樣塗抹。顏色亮麗鮮明。

圖二，是這次專訪時所照。談到鮮豔的顏色回想過去曾經的有過的種種經驗，談論鮮為人說的觀點，令他春風滿面。

圖三「藝旦」是為了今年「鄉情展」，他特別老畫翻新，可以說是最新鮮的敘情畫作。

綜觀林顯模的作品，可以發現，主題語意清楚。前南加州師範院校校友會會長謝秀緞形容「一目了然」。

他擅用Ｘ型結構法，把所有的思想重心集中在圖面的中心，再用強硬的體材支架如人體手腳，樹枝花葉主幹，甚至抽象的畫面切割與顏色邊線，有意無意地造成放射狀指標暗示。這樣的構圖法，強悍有力，圖面不易鬆散。這種主觀意識堅定的方式，可能和「武將型」的個性及大男人主義有關。

他也擅用明暗集中法，讓主題與副題清楚地相應襯托顯現與分辨。而色相對比法在畫面上也有相當的幫助。如圖一的「觀音山」就把觀音山重點主題，不客氣的位座中央，而繁華市景與白鷺鷥環繞其間。更妙的是把觀音，紅孩兒和飛天仙女等，放大並以精采的姿態分佈在四邊角落而統攝中央。這樣滿足了Ｘ型結構，把主角；地域環境與故事傳說恰當的分配，在複雜的構思中，沒有產生賓主紛亂的現象，畫家的內心概念清楚的表達。

能成就「一目了然」的另一原因是，描述內涵的單純化。跟著後期印象派的演化，圖樣簡單化，幾何圖形化，抽象表現化，一再在美術史中呈現並詮釋著各種意念。林顯模吸取了這些經驗，圍繞著追求傳統繪畫的三大要素，造就了他個人獨特的藝術風貌。

圖四「絆」中，男女相互拉扯羈絆。圖五「力」，也是一目了然。圖六「歐洲一景」，都有良好的可看性。圖三「藝旦」的表現法也沒有例外。您再仔細觀察，以下每張也都含有嚴謹的構圖，巧妙的色彩明暗配置，可以看出他在粗礦中，保有武將的理性與仔細斟酌。

圖八；圖九；圖十；圖十一，假使仔細觀察，都吻合了上述的跡象，都是可以吸引觀眾的好畫。

聽說最近他把台灣的畫作全都搬移來美國，並準備把現在的畫室改建成林顯模美術館。我們都知道，建造與維持一棟美術館是非常不簡單的工程。但我們期待。他的才智；胸懷；意志等都是後盾。觀音山週遭的因緣條件，也將給予力量。

白鴒鷥：熊嗥北冰國－－楊文顯畫室專訪(2010-10-27)

熊嗥北冰國－－楊文顯畫室專訪          Tomi楊平猷

看到這張畫，第一眼生起的感念是忌妒與醋味。

就是這一張。二零一零年台美藝術協會年度冬季展，被拿來當海報邀請函刊頭的這一張「Global Warming」。(右，圖一)

畫面的正前方，是一隻站在碎冰塊上仰天長嗥的北極熊。描述地球暖化後，北極地區冰山溶化；冰體支離破碎，北極熊失去棲息與捕食地，面對絕滅危機的景象。這原是我正在規劃雕塑創作的課題，竟然在這畫面上出現了。

藝術工作是一種創造的行為。既然讓他率先發表，我的創意價值也就泡湯了。身為禪藝雙修的雕塑家，醋味一閃還是難免。但，讚美與推崇的心，也迅速隨後升起。

記得三年前初識楊兄時，看到他的畫作，真是不敢茍同。形態比例；透視色澤都不用說。他的獨特創作心意，也被拖累成為粗糙怪異。

隨後兩年，看著這位半路出家晚年改行的他，日日不同年年進步。除了上述缺失改進了不算，構圖也有模有樣，筆法色調也日益老練。加上他那種對生命；對鄉土；對社會；對周遭的關懷，與他特殊的解讀想像力，畫面自成一格，及多產的精進力，蠻有嚴然成家的態勢，每每感然於心。

傳聞中，他有一幅十八呎長六呎高的巨畫「聖谷眺望」，想看他的畫，是前日專程拜訪參觀畫室的原因。也從訪談中得到更深一層認識與肯定。

「嗥」字，原是指「狼嗥」。楊兄在這畫面的構思中，給予故事化。好像是：飢餓的熊爸想吃小熊果腹(這是北極熊的習性)和熊媽吵架鬧翻，憤然離去的場景。畫面上把母熊的哀嚎「嗥」成這樣，加上天空上孫悟空麥當勞等有能力的族群，逃向外太空的背景，令整個暖化與滅絕的問題，更顯悲情。這是我所料不及的，也是雕塑家與畫家因道具的不同，在同樣的課題取材上，取角與描述上難以相同的原由。

這是那天，在楊文顯先生的宅第裡最先的感觸。「熊嗥」一詞是個人依感觸而冠加。對於地球的關懷，楊兄畫了很多張。其中兩張，編成［地球系列］(Global Matters)，Post在他的網站上。歡迎參觀。網址是：www.wensyoung.com

至於那張巨畫，「San Fernando Valley(聖谷)」，是描述由他家附近聖谷某高地眺望San Fernando一帶環谷的景觀。(左，圖二)

這張畫，原是應聖谷台灣同鄉會表演舞台背景的需要而創作。卻沒有因為是佈景而失卻藝術性。他把當地重要的讓他入目的建築與景觀，擇取編列而成。整個畫面安排井然穩當並沒有因為畫面大畫材多而失控，透視比例都沒有出現大礙眼的問題。雖還不是世界名畫，算起來已具有相當的成熟度與可看度。

從畫面上思緒的安穩不茍，可以看出作畫當時內心的真誠。猜想到他對鄉親對社區心性的一班。

另外一張讓我特別注意的是(View from West Hill to Chatsworth)(右，圖三)。這張除了中景的房舍有些緊張之，遠方與近景都是不錯的表現。尤其前面那棵樹，輕鬆的樹葉；枝幹；陰影色澤等調配與描繪，已形成令人感動的韻味。這是藝術家所認真的方向。

其他還有很多畫作，都分類公佈再網站上。不再介紹。

「打開紅簾」(原名“心靈之窗”)(左，圖四)，這一系列的作品，是他內心最執著的部份。是直得鄉親們省思課題。我們應該相應他。

參觀畫作之後當然坐下話家常：

楊文顯，1935年生於台南。年少即想法異於一般。

凡事講求實用。自有主張，不讀一般中學，初中先讀農校，後改讀工校。成大機械系畢業後留學美國。

在UCLA主修流體力學。畢業後，留校教書並深入研究，同時服務工界。1979年自立公司，生產環保儀器。供應化學工業用品。2002年退休。2004年(69歲），入社區大學選修油畫。2005年加入台美藝術協會。

老來入行，原只為打發時間。一畫，竟然上了癮。他說在社區大學裏，老師只教哪裡買材料，顏料怎麼調，其他都是自己摸索實驗揣摩。

可能摸索中，發現這是表達他內心深處最好的工具吧？遂不斷作畫，產量豐富。

短短幾年能有這樣的成績，在我看來，若不是特別的天份，凡事觀察細膩入微，就是他對自然；鄉情；生命的執著疼惜。那樣急於表達述說的真誠使然。

這樣的人，我們讚嘆，我們對他明天的成就祝福。

同時，對於北冰國的嗥聲與紅窗簾那邊的世界祈禱。(10/5/2010)

白鴒鷥：用竹仔枝繪圖的畫家──專訪林保山畫室(2011-04-20)

用竹仔枝繪圖的畫家──專訪林保山畫室

圖與文 楊平猷

去年二零一零年底，聽說林保山先生(右圖)要搬遷到北加州去與兒媳共住。內心一閃，一位認識不久的畫家好友，即將遠行離去了，一股不捨的心動，似遠又近的搖晃著，也感念他兒媳(有孝)供俸老爸的難能可貴。

說起初識林兄是在前兩年，第一次台美藝術協會繪畫比賽的評審場上，初感他的關懷，其後個人應邀加入為該會會員，從每次開會或展覽時，對他的作品特殊表現方法與領導團隊的風範，才逐漸明朗認識，只是少有機會和他直接面談討論。

台美藝術協會成立於一九九四年，而林保山先生則是當年的創辦人之一，也是現時僅存的元老，協會的成員尊他為永久的榮譽會長。

早期的六位成員都是畫壇老將，其後因緣變遷老將失散，為了鼓勵台僑社區的藝術發展，引進了不少新進，林先生自然成了團隊的領頭羊。每次聚會時，他總是能有條不紊的描述與分析會務的種種要點，而且會議之後，他又帶領大家認識台灣及歐美先輩畫家典故，畫風流派的演變與作品欣賞，並在會員間的作品觀摩中給與適當的指引與鼓勵。

那天，一個風雨的日子，提著傘，帶著感懷的心，走進他的畫室。吊掛滿屋的畫作，由年輕時代到當今最新的近作都有，一種豐盛閃亮的心緒，讓我回溫了自己曾經有過類同的記憶，也從他逐一的敘述中，對他學習的過程更進一層的了解與共鳴。

林保山先生(Paul Lynn)，一九三四年生，台大畢業後，留學美國，得結構科學博士，任教於大學長達二十年，並在NASA及 Lock Head任資深顧問達十四年。而在藝術方面的培育養成，也在童年即開始，而其最初的緣起，可能要溯源到他的令尊與張萬傳老師。

林公　林啟東先生，應該算是藝術愛好者，對藝文界各種人事文物，有頻繁的接觸，於日本時代，曾任廈門鼓浪嶼日本大使館書記，當時結交許多福建方面的富商，在兩國政商之間往來，有許多方便，曾介紹多位台灣畫家，完成收藏交易。

當年張萬傳老師剛從日本學藝歸返鄉，應林公的邀請，客居鼓浪嶼，到處寫生作畫，當時林保山雖然年幼，也玩起父親的油畫畫具。某日，張老師帶著他作伴，他也畫將起來，這樣就天經地義的成為張萬傳的學徒了。

戰後，林家返台，張老師也任教於台北建國中學，而林保山剛好也就讀於建中。張老師年輕活潑，課餘總是帶領一群學生打籃球、橄欖球、畫畫、出外寫生。而林兄也在其中，當年他十二歲。「被炸破的天主堂」(圖一)就是這個時期完成的。

該作品描述的是聖心教堂，被美軍轟炸得只剩下的最後一片牆，牆面的聖像依然存在，取材的內涵有他特殊歷史與緬懷的意義，表現的手法已超越兒童畫，有相當的成熟與可看度，不知是耳濡目染還是心智的早熟，竟有這等表現。

當時張萬傳、洪瑞麟與陳德旺三人共組「MOVE」畫派，畫風相當於野獸派，林兄親近洪瑞麟的機會多了，也得到洪老師的指點，受益不小。洪瑞麟老師是我藝專時代的素描老師，也是大家所熟知的曠工畫家，他那流利的鉛筆曠工速寫，在某時台灣藝壇曾轟動一時。

一九四八他初中三年級，張萬傳老師還是覺得他的根基有待加強，遂推薦到李石樵老師座下學習素描，打下了優良的繪畫基礎，同堂的還有現在的南加州藝壇老將林顯模老師。

戰前，台灣藝壇已開啟雄風「台陽展」、「省展」早已存在，隨著戰亂而解散。戰後，藝林老將楊三郎等上書陳儀，一九四六年台灣人的第一届省展復展「被炸破的天主堂」得以入選，這是保持至今，台灣省展史中最年輕的畫家入選的紀錄。次年又以「北投路邊」入選，之後還入選多次，從他這樣屢屢入選的姿態，可以看出一切不是偶然，是用心或天份的成果。一九四八年「台陽展」也復展了，同樣也入選多次。

畫，就是畫，直到高中畢業後，父親不想讓他成為畫家，將來貧窮挨餓，就阻斷了他的繪畫命脈，而考上台大土木工程系，畢業後留學美國期間，只能偶而動動筆，成為業餘畫家。退休後　再拾起畫筆，重做馮婦。

這裡有個插曲，有一位周同學，現在的周烒明醫師，從小學起，同時跟隨張萬傳到初中，高中都是，一齊外出寫生，台大甚至留學美國，又是同校同學，這樣的關係、這樣的感情，就把妹妹介紹給他，成為現在的林家媽媽──林周月澄女士。

至於林保山先生為甚麼成為「用竹仔枝繪圖的畫家」呢？讓我們話說源頭……

一九四七年，二月二十八日，發生了台灣令人哀傷的歷史悲劇　張萬傳老師這個孩子頭　帶著建中的高中生　也參與了街頭示威運動，當時林保山還是不懂事的初中一年級生，父親為了避免惹禍，禁了他的足，他沒事只能溫在家裡，無聊中臨摹林布蘭特的鋼筆畫(圖二)。

早期歐洲的鋼筆畫是鵝毛沾墨水發展而來，這種鋼筆沾墨水畫在台灣學習後又應用在創作的人並不多。記得一九五六年，我初中二年級，在台中陳克元「ABC畫室」以函授的方式也學習勤練一年，以後藝壇上，再也少有看過這樣的畫法。

而林兄有幸，每天研賞父親在舊書攤買到的世界著名畫家林布蘭特(Rembrandt Van Rijn)的畫傳，　畫傳中有許多林布蘭特鋼筆畫作插圖，林兄從中臨摹，並自我訓練，成為後日竹子枝畫法的源頭　最後獨立出來，加油添醋另創一手。這樣的學習過程，沒有一些天份是不容易的。

鋼筆畫的線條不像鉛筆畫，只有粗細沒有濃淡，畫面的明暗深淺只能以線條的密度或交叉重疊來表達，而且每一條線都可以有他各自的個性，畫上後又無法更改，一筆下去，前後的用心與技法要一致，而且筆筆之間的線條的調和與變化，來組成整個畫面的協調，不是那麼容易，如是單單線條結構來完成一件圓滿的作品，只能靠熟習熟練來培育自信，來組織完成。

當我認識他後所看到展覽的畫作，已是他後期超越了鋼筆畫的極限，墨色加水而有深淺變化，加入淡彩演變出來的風格，而且鋼筆也由竹仔枝筆所代替。

某年，他搬了新家，新家後院，種有箭竹一叢，他靈機一動，砍下一枝，切成幾斷，其中一頭削出斜邊，從斜邊頂尖部位，剖劈一絲裂縫，就像沾水鋼筆一樣，沾著墨汁試用，畫了幾次後，覺得並不比原來的沾水鋼筆差，這樣竹子枝就成了他的畫筆了(圖三)。

這種墨汁乾後，不會像自來水筆那樣，再碰到水，墨色筆跡會化開，它可以保持清鮮的原來線條，因此他完成竹子枝墨畫後，加上水彩成了另一種有彩的韻味，而自成一格。而且，他還更進一層，把竹子枝打脆打扁，成為似筆非筆的怪物，加小塊上海綿，然後又有一小灌水來淡化墨色。這樣變化就多端了，就可以知道這有別於一班的畫具，與表現出的效果，真是靈活巧妙(圖四)。我參訪畫室時，還看到很多早期的鉛筆素描，如「稻草堆」「我的母親」。

「稻草堆」(圖五)是一張鉛筆素描，從其構圖的完整，明暗配置的敘述，筆跡輕重的技術手法。這張素描已經可以稱作獨立的畫作，除了右上角的樹叢份量需要加重些些深一點的筆畫以平衡輕重外，應該相當完美了。

「母親」(圖六)也是一張鉛筆速寫，構圖完整穩當，線條非常簡鍊肯定，且運行得流暢圓潤，運筆時輕重得體，把鉛筆的特色發揮得極致，明暗在行雲流水間散佈出來，同時也把傳統繪畫藝術的元素、量感、質感及空間感暗示了出來，讓我們看看母親的手與臉頰，那種中年女性圓潤的質感，身體臂膀衣服裡面隱藏著肌肉的真實，給了我們人間與生命感的韻味，雖然不敢比美蒙娜麗莎，但藝術家所要表達的覺性，已充分的體現了。

上彩竹子枝筆畫(圖七)「台北圓山風景」可以清楚的欣賞到竹子枝畫後再上彩的故事。

一個人身體可以衰敗，但是他的心假使不被歲月所擊倒，內心的青春是沒有人可以如之何的，很多台灣老畫家都這樣，林保山如是，陳景容、林顯模，過去的楊英風都是，勇敢正面的面對生命，人老而心不老的活在青春中，是讓我們借鏡的地方。

四張素描(圖八)「豬舍」、「泰雅族男」、「泰雅族女」、「織女」都是描述台灣鄉情的畫作，都能看出他的內心所關懷的生命重點，並能看到他在技法上的純熟，都值得我們欣賞。

看看最後兩張顏色之鮮豔明亮(圖九)，不像年近八十的老人所畫，加上竹枝素描(圖十)，真是把這種技法發揮到一種極至。

　　

眼看好友林保山，一位南加州藝壇的推動者，即將遠離至北加州，心悵之餘，也祝福他常保青春，長享怡孫之樂。

白鴒鷥：洪逸凡的壓克力世界／楊平猷(2012-04-04)

洪逸凡的壓克力世界      楊平猷

圖一 圖二：傅狷夫的雲煙山水畫局部圖 傅狷夫教授自創「裂罅皴」，活用在傳統的自然山水中國畫法中，其皴法線條蒼勁生動有力，若無數十載的草書功力，是無法達到的。 這是洪逸凡早期所師習的方向，代代相傳的中國畫師承關係，通常是以臨摹為主，練到爐火純青後，才有自創，自創也只是筆調行使的易變，而洪逸凡的易變到最後是全盤的脫胎換面，與北派山水不再相同。 圖三　無題水墨畫在棉布上，以快速書寫與蘭竹技法為主題，又以墨汁宣染的西式構成手法來趁底，可以看出洪逸凡的根基與豪邁氣度，同時看出他早期從傳統水墨超越的企圖。 圖四　無題水墨畫在棉布上，以快速書寫與蘭竹技法為主題，又以墨汁宣染的西式構成手法來趁底，可以看出洪逸凡的根基與豪邁氣度，同時看出他早期從傳統水墨超越的企圖。 圖五　凝聚(2003 法國秋季沙龍入選) 以壓克力顏料及油畫顏料作畫，大色塊間貼有燒過之小塊棉紙，完全是壓克力現代畫的表現法　但呈現的確是主題明確的東方的內涵。     圖六　風景(壓克力,油畫顏料,混合媒材) 此作品係先以壓克力顏料作畫，後再以油畫顏料繼續完成，表現出自然語彙的抽象風景。 圖七　進香朝拜 (油畫)1999年法國藝術家沙龍入選。 用油畫顏料以半抽象手法，表現北港進香團夜間行進朝拜，虔誠熱鬧景象。      圖八“無題”(壓克力綜合媒材) 用大色塊及書法線條以及併貼方式，表現的只是材料形色配置　呈現有趣且具畫面安穩的抽象意念。 圖九“糾結”(混合媒體壓克力玻璃)此畫係以龜裂的玻璃貼於已用壓克力顏料作畫之畫布上，其自然龜裂線條及透明玻璃讓畫面有三度空間透明感，是另外一種複合媒材的運用。

認識洪逸凡兄該有兩三年了吧？當時是應畫家劉白兄的邀請參觀「新意畫會」的畫展。場內可以看到多位旅美台灣精英現代畫家的作品，畫風大抵相近，水準大致整齊。瀏覽了會場一遍之後，我駐足在(圖一)這張紅色調壓克力畫前良久，欣賞他簡單而平穩的大紅，加上流利瞬變抖動適度的線條，構成畫面安穩平和而變化的神秘氣氛。欣賞了他那超越顏料堆積而展現了整體意境的美感，也品嘗了畫家與我之間的心性交融。這時他出現了，

是作者洪逸凡與我的第一次。

我們交換了意見，我們討論了創作觀念。其後的日子我們相約看畫展；應邀收藏家聚會；互訪工作室。這樣變成好朋友，我們相互激勵共勉；相互挑剔或建議指正；一起參訪參展。

最近的某一天，忽然想到，這樣一位難能可貴的人，也該介紹給鄉親朋友們吧。

洪逸凡本名洪志銘(Gary Hong)，台灣苗栗人，一九五三年生。

十歲，通霄國小三年級時，全校舉行野外寫生比賽，他不被老師指定為班上人選，但獲准自行報名參加，卻榮得全校第二名。父親為公務員，在子女幼年的養成教育時，誠如一般父母對藝術繪畫上比較不那麼鼓勵，因此他選擇了商校，放棄報考嚮往的國立藝專。

台中商專期間，每年負責壁報編製，比賽總得首獎，並成為學校美術社社長。通常壁報的編製，在特定的單元主題上，要有精簡明確獨特的內涵，吸睛的版面安排，才能吸引讀者，這都是非課堂上的知識，與非寫實的唯美造型表達方式，這份工作經驗對洪逸凡往後的藝術創作有很大的幫助。

同時，透過同學父親介紹，拜在井松齡老師座下，學習北派山水水墨畫，開始他的專業學習，井老師是傅狷夫的學生，以皴法肯定又活潑層次豐富與雲煙神秘為專長，洪逸凡在此奠定腕下筆觸與內心神韻的掌握功夫。

二十三歲，改隨唐業港老師門下，研習潑墨宣染，唐老師是畫虎長才張善仔(張大千的兄長 )的學生，但卻增添了張大千晚期的彩墨技法，而成半抽象水墨風格，然到了洪逸凡的手中，就變成抽象彩墨畫，集合了北南心法於畫面，導向了現代藝術的原始基礎。

一九九一年，在台中市國美館欣賞李仲生畫展時，結識了畫展解說員許輝煌，李仲生的學生，李老師是早年台灣現代藝術教育的第一人，以啟發方式來引導學員的天性。他指導下的學生，各有各的風貌，而且都能有精湛的表現，「五月畫會」的現代畫家多是出其門下。在許輝煌的引導下，洪逸凡放下灰黑的水墨，改用了艷麗的壓克力素材與多媒體技法，開啟了西洋現代抽象繪畫之門，在技法上又不斷自我更新，逐漸走入現在的模樣。

這時的台灣藝壇，仍偏向學院教育的思考，承襲數百年歷史的油畫與水彩，壓克力與多媒體技法，還不是很流行，壓克力顏料的保存性尤其被存疑。其實，壓克力是一種現代工業的副產品，是一種有強力粘性與抗紫外線性的水溶性白色膠質，乾燥後變成透明堅硬固體，壓克力膠加入色料，完密混合後，即成為壓克力顏料，它的色料和油畫顏料及水彩沒有不同，只是溶劑的差異，使用時可以因水分的多寡而讓效果像油畫濃塗或像水彩畫淡彩宣染，或濃淡混合運用，作畫時更有發揮的空間，為一般現代藝術家所喜歡。它和其他媒體完密的粘結性，也更吻合現代藝術家的表達方便。至於收藏家所擔心的保存時間問題，到目前已有八十餘年了，還不曾有事件聽說過，一直還被藝術家所習慣使用著。這種技法的多樣性與創造性，正符合洪逸凡的心性需求，經他的善巧運用他的長才更表露無遺。

同時，在許輝煌的鼓勵下參加各種展覽，他特殊新穎與韻味氣質的畫面，不論台灣、日本與美國都得好評，尤其年年入選法國藝術家沙龍與秋季沙龍，更是轟動藝壇。法國藝術家沙龍與秋季沙龍是集合全世界現代藝術精英的試練場，為台灣許多藝術家夢寐以求的地位，他的表現從此被公眾所肯定。

一九九六年，他和許輝煌、李元亨、趙宗冠、鍾烜暢及施純孝等六人籌組「法國沙龍台灣藝術家學會」，並於二零零三年正式立案，成為全國性藝術團體。

一九九七年起，先後又親近了陳顯棟與紀宗仁，紀宗仁也是現代畫的名家，相互間也有相互成長的關係。

一九九九年，入東海大學美術研究所在職碩士班進修。前後幾年間，在國內外有個展十五次，聯展數十次，成為一個忙碌的鋒頭的藝術家，作品廣被收藏的藝術家。

二零零四年移居來美，與此地的六位畫家成立「Neo Art畫會」，不斷開展覽。

二零一零年入巴沙迪納Art Center College of Design進修「抽象繪畫之構成」，同時不忘參與美國主流藝術機會。

他過的是從商生涯，都是利用業餘時間，致力於藝術的專業領域，成就不亞於一班專業藝術家。他在任職銀行副理時，一再入選法國現代藝術沙龍，而轟動學院式的台灣畫壇，比較十歲時的故事，是重複演練寫照。

前年，不斷試驗裂痕玻璃與壓克力顏料結合的創作，成果在紐約「Agora畫廊」展出。隨後又以壓克力版烘燒，配合色料造出亮麗引人的立體繪畫，近日又以虫膠燃燒所形成的焦痕與壓克力接合來創作。每一種材料都有它的特性，他都是利用這些材料特性，強化它轉化它組織它，而成為給人豐富想像空間的作品，轉化醜陋為美感，這就是洪逸凡。

綜觀洪逸凡，年少即了解自己執好藝術，並有美感的信心且勇於掌握機緣的心性，直到我認識他的現在，都一直如此。一直擁有著天生的現代藝術家對環境敏銳觸感與獨特不斷創新的特質，他對生命的自我提升，與對藝術的觀點，對藝術技法材料運用的創新追求，對現況的不斷超越，是這幾年讓我感受深刻的地方，也是它能立足於國際藝壇的主因。

來美這麼幾年，他仍不斷的努力，不斷的創作，不斷的向美洲主流藝壇邁進，我們給於祝福。

圖十　“山水-10”　壓克力運用乾擦技法於以畫有線條之畫面上，最後加上多色線條組合，形成具有三度空間感之半抽象式山水畫。此畫入選 The City of  Brea Art Gallery 27th Annual, Made in California, March 24—May 4。難能可貴的，六百多件中選八十件。 圖十一　“晨曦”　壓克力 主要用大小色塊及書法線條組合表現早晨第一道光芒景象。

圖十二“紅色的大地”(綜合媒材)此畫係用蟲膠燒焦及其他媒體混合運用，加上書法線條等構成的綜合媒體抽象畫。 圖十三 “花團錦簇”(綜合媒材　壓克力　虫膠)此畫與圖十二相同手法所表現出的意象。

圖一

圖二：傅狷夫的雲煙山水畫局部圖

傅狷夫教授自創「裂罅皴」，活用在傳統的自然山水中國畫法中，其皴法線條蒼勁生動有力，若無數十載的草書功力，是無法達到的。

這是洪逸凡早期所師習的方向，代代相傳的中國畫師承關係，通常是以臨摹為主，練到爐火純青後，才有自創，自創也只是筆調行使的易變，而洪逸凡的易變到最後是全盤的脫胎換面，與北派山水不再相同。

圖三　無題

水墨畫在棉布上，以快速書寫與蘭竹技法為主題，又以墨汁宣染的西式構成手法來趁底，可以看出洪逸凡的根基與豪邁氣度，同時看出他早期從傳統

白鴒鷥：劉白第一不是畢卡索第二 Echo畫室專訪／楊平猷(2012-11-22)

劉白第一　不是畢卡索第二   Echo畫室專訪 楊平猷

二○○八年，我加入南加州台美畫會，而劉白(Echo Lew)正是當時的會長。好像比我年輕，但，一副比我還皺的臉頰，一頭比我還凌亂鬆散的頭髮，加上還身兼南加州攝影協會會長工作，那種神龍見首不見尾的忙碌狀態，看是比我還藝術家的藝術家，這是我對他的最初印象。

當時，每個月的聚會，會務之後總有作品分享及觀摩。觀摩中，他最大的意見是：做個藝術家，一定要畫自己。畫出自己的習性、畫自己所喜歡、畫自己的見解、畫出自己對生命的定義。努力研究實踐，建立與眾不同的風貌，建立自己的風格，建立自己的藝術。

他說：他從年輕時就發現，他要成為藝術家。而藝術家就是(第一)。所謂第一，就是開拓自己的創見，開拓別人所未曾有的。他說他要的是「劉白第一，不是畢卡索第二」。斬釘截鐵如是說。

談何容易，所有想出人頭地的藝術家，都這樣盼望。盼望自己走自己的藝術，自己是世界唯一。

但，當我們踏出第一步的時候，我們都不知不覺中，有一種潛層的曾經有過的印象，有一種記憶。就這樣不知不覺中，有了多少的學習，而添加了前人的經驗，沒有成為第一，卻成為第二。

劉白在很年輕的時候，就體悟了這一點。他認為有兩種事可以讓他容易達到這樣的目的。其一，是看遍世界的藝術精華以建立自己的思想。其二，當然是畫遍各種技法並且有能力摒棄這些技法。

因此，在報考聯招的時候，他以海洋學院為第一選擇。他說透過海洋的走船生活，可以看遍全世界。結果如願的考上了基隆海洋學院。

在海洋學院期間，他成立了該校的美術室。沒有指導老師，卻廣結畫友，相互激勵切磋。週末，則留連於台北各大小藝廊，博物館，書局。不斷的接觸不斷的閱讀不斷的整理。

他有一種嗜好，每看上一位畫家的作畫，就把這畫家的特殊能令人感動的表達方式，以不同的題材模仿幾遍。因為他的勤快，沒多久就仿遍了當時台北各大畫家，尤其國內各大畫展各審查委員的畫法。這樣模仿與擯棄中，吸收建立他自己的思潮與技法。尤其他正式投入陳景容老師座下，學習素描之後，他在畫面上的架構嚴謹度，色彩氣氛的層次細膩度，都得更上一層樓。(圖一，圖二)

  

陳景容老師的專長是大家所公認的，但我們在劉白的畫面上，卻找不到陳景容的影子。就是沒有成為陳景容第二，而陳景容的長處也盡在劉白的畫面中。

在坊間書報雜誌中勤奮吸取，讓他對中外藝術瞭如指掌，也讓他在現代抽象的意識有更多的切入。不論繪畫或文字語言，都建立了相當的基礎，表達時運用活潑適時，直到今日，他也這樣鼓勵他太太與女兒如是展望世界。

以下三張素描是他早期的習作。(圖三)，(圖四)的組成方式，就已表現出不同於傳統的畫作思想內容。也不是現實世界視覺畫面結構習慣，而是內心思想自創的描述內涵。技法雖然還不是很純熟，但已脫離學院傳統的框臼，進入現代繪畫的門端。圖五女學生頭相，描繪的是他現在夫人。當時大概是女朋友吧？Alice 是一位非常沉穩的女性；劉白創作的幕後幫手。光影創作在許多時候，是劉白一個人無法掌控的，是要她和女兒的團隊分工才可達成。

果然，他走了船。遊歷了日本；美國；加拿大；南非共和國；義大利；奈及利亞；泰國；菲律賓等十幾國。從各國相異的風土人情；人文素養；藝術成果中讓他視野的擴展外，也刺激強烈的創作慾。他一面整理思潮，調整技法，造就自我更成熟，創見更扎實。

一九八三年，他移居美國中部。就讀UNIVERSITY OF KANSAS及UNIVERSITY OF MISSORI。之後他從商，設計商品，批發出售。聽說進帳不少，但同時不忘繪畫。

通常藝術家都能玩相機，劉白也不例外。二零零四年，因數位相機的崛起，數位技術活用方便，他毅然裝設了整套(重工業)型的照相設備，進入最先進的照相領域。

二零零六年，開始把攝影和畫作融會一體。以數位剪接；重疊；反白；調色等等的技術繪畫。在洛杉磯小東京展覽中大展身手。(圖六)(圖七)(圖八)(圖九)已顯示出他成熟的思想與技術。

某年，他開始捐助(海倫凱樂慈善機構)。這是一個爲窮鄉僻壤貧困兒童免於失明的慈善機構。因為這種捐助的動作，讓他思維關心失明與眼睛的關係；思維光明希望與靈魂之窗的關係。這樣的關懷，讓它開啟「希望之光」的油畫系列。他願意把這一系列的畫展收入捐贈外，也可以把(海倫凱樂)光明與希望的理念傳播到世界各地。(圖十)(圖十一)。

「希望之光」也讓劉白發展出一套，捕捉並肯定與表達(光)的技術。他結合數位攝影的技法，轉換各色各樣的色光，成為「劉白第一」的「希望之光」。(圖十二)(圖十三)

我第一次看到這一系列的作品是在爾灣的順天美術館。對這畫筆與光影技術的結合，是有令人大開眼界之感。對劉白這樣急速活潑多彩多變的畫面，是有些刮目相看。尤其他告訴我，在他的電腦中有萬張以上的存檔，又讓我有望塵莫及之意。

套一句宗教的語言：當我們願意為眾生服務；為上帝服務的時候，上帝會給我們智慧與能力。好像也這樣，為了給別人希望與光明的同時，他自己也得到了「希望之光」。

最近，聽洪逸凡好友的傳說，劉白的近作又有新的風貌。果然，一反之前的急速動蕩豐富多彩的畫面，他傳給我的幾張全是抽象形式的黑白。(圖十四)(圖十五)(圖十六)

這幾張所看到的黑細線都是前無古人的光的攝影技術應用方式。我當下的感覺是：劉白的思想已超越了一般視覺欲求，而進入純樸孤寂，內心簡單踏實的世界。一種生命的落實感，前無古人的表達方式，更上一層樓而富有更多的超然的可看性。

而且，今年他得到幾個主流藝術團體LAAA (Los Angeles Art Association)；

OCCCA(Orange County Center for Contemporary Art)；TAG Gallery  的肯定，邀請成為會員。這些團體注重的都是創造性，都講(第一)。思想的創造，技法的創造，感覺的創造。(劉白第一)算是在努力中落實，實質也提升。

尤其2012年10月13日起，在洛杉磯LAAA畫廊(Terrestrial Life)專題的展覽中的一件橫幅(圖十七)真讓我感動。技法上還是反白的光影技術，找不到什麼敗筆。歸類上不知該屬於攝影還是繪畫。簡單樸實清明的畫面，主題明確的表現了大地清明容納與開闊。從東方水墨的角度看，是件高境界的畫作。而以西方藝壇的看法，可以是一張實質的高水準的現代藝術。把(劉白第一)推高上頂。

聽說，他有意把他作畫的過程，如何運用場地？如何彩排活動的燈光？如何完成畫作的關鍵運作，林林總總，正式的作一個發表會；同時表演與錄影。那時，劉白的繪畫又將進入「表演藝術」的領域。劉白急速而多彩的生命又將提升。(第一)已然成型與堅固，而發展的最終如何，我們拭目以待，鼓掌按讚。(Tomi20120919)